PEOPLE_Peter Lindbergh

Celebre per le sue memorabili immagini cinematografiche, Peter Lindbergh è riconosciuto come uno dei più influenti fotografi contemporanei. Nato a Lissa (Germania) nel 1944, ha trascorso l'infanzia a Duisburg (Renania Settentrionale-Vestfalia). Ha lavorato come vetrinista per un grande magazzino e si è iscritto all'Accademia di Belle Arti di Berlino all'inizio degli anni 60. Ricorda così quegli anni: "Preferivo seguire le orme di Van Gogh, il mio idolo, piuttosto che dipingere i classici ritratti e i paesaggi che ci insegnavano a scuola...". Ispirato dal lavoro del grande pittore olandese, si trasferisce ad Arles per circa un anno, per poi partire in autostop alla volta di Spagna e Nord Africa. Più tardi studia pittura libera alla Scuola d'Arte di Krefeld. Influenzato da Joseph Kosuth e dal Movimento Concettuale, ancora prima di diplomarsi viene invitato a esporre alla galleria avanguardista di Denise René e Hans Mayer nel 1969. Si trasferisce a Düsseldorf nel 1971, comincia a dedicarsi alla fotografia e lavora per due anni come assistente del fotografo tedesco Hans Lux, per poi aprire il suo studio nel 1973. Una volta raggiunta la fama in patria, entra a far parte della grande famiglia di collaboratori della rivista Stern, come altri fotografi leggendari tra cui Helmut Newton, Guy Bourdin e Hans Feurer e si trasferisce a Parigi nel 1978 per seguire nuovi percorsi di carriera. Ritenuto un pioniere della fotografia, introduce una forma di nuovo realismo che ridefinisce i canoni della bellezza, da lui immortalati in immagini senza tempo. L’approccio umanista e il concetto idealizzato di donna diventano caratteri distintivi del suo lavoro, con una particolare enfasi sull'anima e sulla personalità. La sua visione unica presenta i soggetti in uno stato di purezza, "in tutta onestà", lasciando da parte qualsiasi stereotipo a favore di volti quasi totalmente privi di trucco, spogliati in modo tale da esaltare l'autenticità e la bellezza naturale delle donne che fotografa. Offre una nuova interpretazione della donna post-anni 80 senza prestare particolare attenzione all'abbigliamento, convinto che "Solo dopo aver eliminato la moda e l'artificio, si riesce finalmente a vedere la persona". La giornalista britannica Suzy Menkes afferma che "il rifiuto di piegarsi alla perfezione della copertina patinata è il marchio di fabbrica di Peter Lindbergh, l'essenza di immagini che scrutano l'anima più vera del soggetto, che si tratti di un personaggio più o meno famigliare o famoso." Lindbergh è stato il primo fotografo a inserire la dimensione narrativa nelle serie fotografiche e questa forma di story-telling ha aperto le porte a una nuova concezione della fotografia d'arte e di moda. Nell'arco degli anni ha creato immagini che hanno segnato la storia della fotografia, caratterizzate da un approccio minimalista alla fotografia post-modernista. Nel 1988, quando ha ormai conquistato la fama in ambito internazionale, lancia una nuova generazione di modelle da lui scoperte di recente, che ritrae vestite soltanto di camicie bianche. L'anno successivo fotografa per la prima volta insieme Linda Evangelista, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Christy Turlington e Tatjana Patitz, all'epoca giovani modelle, per la leggendaria copertina di gennaio 1990 di Vogue UK. Il cantante pop George Michael, che ha lanciato il "movimento delle Supermodelle", seguito a ruota da Gianni Versace, si è ispirato proprio alle fotografie di Lindbergh apparse su Vogue per il leggendario video di "Freedom '90", che ha sancito l'inizio dell'era delle modelle-star e ha ridefinito l'immagine della donna moderna. Nel numero di maggio 2016 della prestigiosa rivista Art Forum, Lindbergh dichiara in un'intervista con la giornalista Isabel Flower: "Un fotografo di moda dovrebbe contribuire a definire l'immagine della donna e dell'uomo contemporaneo nella loro epoca, riflettendo una particolare realtà sociale e umana. Quanto è surreale invece l'attuale approccio commerciale che punta a ritoccare e cancellare qualsiasi traccia di vita ed esperienza, perfino la verità più intima del volto stesso?" Celebre per le sue serie fotografiche narrative, Lindbergh è conosciuto soprattutto per i ritratti essenziali e rivelatori, le nature morte, le forti influenze del cinema tedesco degli inizi e il contesto industriale della sua infanzia, la danza e il cabaret, ma anche per i paesaggi e lo spazio. A partire dalla fine degli anni 70 Lindbergh ha lavorato con le più famose case e riviste di moda, tra cui varie edizioni internazionali di Vogue, The New Yorker, Rolling Stone, Vanity Fair, Harper's Bazaar US, Wall Street Journal Magazine, Visionaire, Interview e W. Nel 2016 è stato scelto per la terza volta, un vero e proprio record, per realizzare l'edizione 2017 del Calendario Pirelli, dopo essere stato il primo a firmarne per ben due volte le immagini nei cinquant'anni di questo iconico calendario, di cui aveva in precedenza realizzato le edizioni 1996 e 2002. Le sue fotografie si trovano nelle collezioni permanenti di molti musei d'arte di tutto il mondo e sono state esposte in prestigiosi musei e gallerie. Oltre all'esposizione A Different Vision on Fashion Photography alla Kunsthal di Rotterdam e ora alla Reggia di Venaria, si ricordano le mostre al Victoria & Albert Museum (Londra), al Centre Pompidou (Parigi), nonché varie personali all'Hamburger Bahnhof (Berlino), al Bunkamura Museum of Art (Tokyo) e al Museo di Belle Arti Pushkin (Mosca). Lindbergh ha diretto numerosi film e documentari che hanno raccolto il successo della critica, tra cui: Models, The Film (1991), Inner Voices (1999) che ha vinto il premio come Migliore Documentario al Festival Internazionale del Film di Toronto (TIFF) in 2000, Pina Bausch, Der Fensterputzer (2001) e Everywhere at Once (2007), con la voce narrante di Jeanne Moreau, presentato al Festival di Cannes e al Tribeca Film Festival. Rappresentato dalla Gagosian Gallery e da 2b Management, vive attualmente tra Parigi, Arles e New York.

ART & CULTURE_Peter Lindbergh in mostra alla Venaria

Naomi Campbell, Cindy Crawford, Linda Evangelista, Charlotte Rampling sono solo alcune delle magnifiche donne che hanno trovato in Peter Lindbergh uno dei principali interpreti della loro bellezza. Modelle, attrici, ballerine e icone, il fotografo ha immortalato le donne più belle di sempre, dando vita a un nuovo modo di vivere la fotografia di moda: non più scatti algidi e in posa, bensì immagini che hanno utilizzato un linguaggio disinibito, ispirato al mondo cinematografico e della danza, col quale esprimere la grazia oltre all’aspetto meramente estetico. Niente trucco, massima spontaneità, bianco e nero: questi i tratti caratteristici di Lindbergh, che ne hanno fatto una delle più autorevoli firme della fotografia di moda e che sono ammirabili ora nella mostra “Peter Lindbergh. A different Vision on Fashion Photography” presso la Reggia di Venaria (Torino) fino al 4 febbraio 2018. Esposte, 220 delle sue migliori fotografie, realizzate dal 1978 ad oggi: non solo le immagini iconiche di quattro decenni di lavoro, ma anche materiali esclusivi come appunti personali, dettagli di allestimenti scenografici, provini, polaroid, spezzoni di film, gigantografie.

Il percorso espositivo è suddiviso in sezioni, arricchite da interviste video, storyboard nonché da una video-installazione interattiva che coinvolge i visitatori in un’immersione emozionale nel mondo di Peter Lindbergh. Si inizia con “Supermodel”, ossia con le foto delle super top, fenomeno al quale ha dato vita insieme ad altri importanti e indimenticabili interpreti della moda italiana: siamo all’inizio degli anni ’90 e all’epoca queste bellezze erano ancora sconosciute. Si prosegue, poi, con “Stilisti”, che pone l’accento sulle collaborazioni del fotografo tedesco con venticinque fashion designer in epoche diverse e sul modo in cui ha contributo a definire l’immagine dei vari brand. Si indagano, quindi, le questioni di genere e le affermazioni politiche con la sezione “Zeitgeist”, che affronta tabù in maniera anticonvenzionale, esponendo immagini come “Give Peace a Chance”, scattata per Harper’s Bazaar nel 2004, e la serie “New Age”, realizzata per Vogue Italia nel 2014. Si continua con “L’ignoto”, che rivela l’interesse di Peter Lindbergh per la fantascienza e presenta la famosa serie di foto del 1990 con protagoniste la modella canadese Helena Christensen e l’attrice Debbie Lee Carrington, considerata il caposaldo del racconto fotografico nelle riviste di moda. Un obiettivo visionario quello di Lindbergh, come viene confermato anche dalla sezione “Icone”, un percorso visivo che propone le immagini di figure iconiche della cultura pop: da Kate Winslet a Charlotte Rampling, passando da Eddie Redmayne a Keith Richards. Passando alla sezione “Il Grande Schermo”, si evincono le influenze delle produzioni cinematografiche tedesche degli inizi e dei set sul lavoro del fotografo.

Un’occasione imperdibile per esplorare l’universo di Peter Lindbergh. Un viaggio immaginifico, emozionante e suggestivo, durante il quale esplorare quattro decenni non solo di lavoro, ma anche, di cultura, storia, arte e società. Il tutto all’insegna della cifra stilistica di questo inconfondibile interprete, firma di The Cal 2017, ultimo tassello che valida specificamente le sue innumerevoli collaborazioni con Pirelli e, generalmente, con l’arte in tutte le sue molteplici forme di espressione.

La mostra “Peter Lindbergh. A different Vision on Fashion Photography”, ideata dal Kunsthal di Rotterdam in collaborazione con il curatore Thierry-Maxime Loriot e Peter Lindbergh, è organizzata dal Consorzio delle Residenze Reali Sabaude, con il Patrocinio della Camera di Commercio di Torino.

Peter Lindbergh. A different Vision on Fashion Photography

Fino al 4 febbraio 2018

Reggia di Venaria, Sala delle Arti

LEISURE_Forma e Desiderio. The Cal - Collezione Pirelli

Forma e desiderio. In altre parole, il Calendario Pirelli, forse meglio noto come The Cal. Una tradizione rinnovatasi negli anni, che ha visto coinvolte le più autorevoli firme della fotografia mondiale e che ora, fino al 22 febbraio 2015, si mette in mostra a Palazzo Reale a Milano con una selezione di oltre 200 fotografie tratte dalle differenti edizioni.

L’esposizione - curata da Walter Guadagnini e Amedeo M. Turello, promossa dal Comune di Milano - Cultura con il patrocinio di Expo e organizzata e prodotta da Palazzo Reale e GAmm Giunti - nasce grazie al fondamentale contributo di Pirelli, che ai fini della selezione espositiva ha messo a disposizione il suo archivio, con migliaia di fotografie dei più grandi fotografi mondiali.


Diventato in breve tempo un oggetto di culto, il Calendario da più di cinquant’anni interpreta i cambiamenti sociali e culturali e anticipa le tendenze delle nuove mode, attraverso l’occhio attento dei più celebrati autori contemporanei, da Herb Ritts a Richard Avedon, da Peter Lindbergh a Bruce Weber, da Peter Beard a Steve McCurry, da Patrick Demarchellier a Steven Meisel.
Un progetto ambizioso, che restituisce la giusta dimensione artistica a una delle più importanti campagne di comunicazione degli ultimi cinquant’anni, che ha saputo entrare nell’immaginario di ciascuno di noi grazie al fascino senza tempo delle modelle e al talento dei fotografi che l’hanno realizzato.

Con un percorso narrativo che va oltre la scansione cronologica, tipica dei calendari in sé, la galleria di immagini di “Forma e Desiderio” propone un itinerario tematico, seguendo un processo che esplora e accosta relazioni, analogie, citazioni e contrasti fra le immagini di oltre mezzo secolo. L’esposizione si sviluppa attraverso cinque stanze, ognuna delle quali dedicata agli elementi che accumunano le foto contenute nello spazio: dalla seduzione alla provocazione, dal mito all’eleganza.
La mostra si apre con la sezione L’incanto del mondo nella quale vengono presentate quelle fotografie che, almeno fino al 1972, venivano realizzate con l'intento di guidare lo spettatore attraverso due elementi fondamentali come il paesaggio e l’espressione delle modelle. 
Ne Il fotografo e la sua musa (sedotti dall’arte) si analizza l’omaggio a Leni Riefenstahl che Arthur Elgort le dedicò nel 1990, o quello di Clive Arrowsmith che l'anno successivo elaborò una sequenza di citazioni dei maestri dell’arte quali Delacroix, Velázquez, Rembrandt. Particolare è il caso di Annie Leibovitz che cita testualmente non solo i maestri della fotografia ma alcune precise immagini, al fine di trasformare le pagine del Calendario in una sorta di esercizio di gusto volutamente, e provocatoriamente, accademico.
La sezione Lo sguardo indiscreto, invece, è incentrata sulle immagini caratterizzate da un misto di provocazione, gioco, trasgressione, che segnano un altro degli elementi caratterizzanti l'identità stessa del Calendario.

Ne La natura dell’artificio si possono ammirare gli scatti di Brian Duffy, di Peter Knapp, fino a raggiungere i vertici nella ricostruzione del mondo per via di geometrie, ispirate dalle tracce del pneumatico sul corpo delle modelle, di Uwe Ommer; o ancora di Barry Lategan, o di Nick Knight, autore di una delle edizioni certo più anomale e sorprendenti, vocata alla sottolineatura di una sperimentazione linguistica che travalica il genere della composizione con figure per arrivare ai limiti della pura astrazione.

La mostra si chiude idealmente con Il corpo in scena che rimarca come, nella storia del Calendario, la combinazione tra modella e ambiente abbia assunto un ruolo centrale nella concezione della serie realizzata. Una concezione che si condensa nella sorprendente sequenza di Peter Lindbergh del 2002, dove la modella interpreta se stessa intenta a interpretare, a sua volta, il Calendario, in una totale e ricercata sovrapposizione di ruoli e di luoghi. In modo non meno eclatante, Peter Beard inscena un autentico viaggio nell’esotismo attraverso un gioco che sembra provocare lo spettatore e invitarlo e riflettere sul confine tra la realtà e le proprie proiezioni.

Presentato per la prima volta nel 1964, il Calendario Pirelli giunge alla sua quarantaduesima edizione con l’anno 2015, portando la firma di Steven Meisel. Una mostra che idealmente prosegue il tracciato segnato dall’esposizione allestita sempre a Milano a Palazzo Reale Sala delle Cariatidi nel 1997 dall’architetto Gae Aulenti, trasferitasi poi a Venezia e resasi itinerante attraverso le tappe in alcune delle principali capitali mondiali come Parigi, Berlino, Mosca, Buenos Aires e Tokyo.

Forma e Desiderio. The Cal – Collezione Pirelli

Fino al 22 febbraio 2015

Palazzo Reale, Milano

LEISURE_L'archivio Condé Nast in mostra a Milano

“Dobbiamo fare di Vogue un Louvre”. Queste le parole che Edward Steichen rivolse negli anni ’20 a Edna Woodman Chase, la prima caporedattrice di Vogue America. E che, oggi come allora, riecheggiano la rivoluzione impressa da Condé Nast e dal suo gruppo di lavoro non solo alla moda ma alla fotografia generalmente intesa, da quando, nel 1909, acquista la prestigiosa testata Vogue.

Un’impronta nuova, figlia di una lungimirante visione e interpretazione dello stile, devota a una resa illustrata volta a spingersi oltre il semplice racconto per immagini, declinato in delicate istantanee ottocentesche. D’ora in poi, gli scatti parlano da sé: esprimono caratteri, testimoniano un’epoca, rappresentano istanze socio-culturali. Il tutto per opera di veri geni del mestiere, che, complice l’occhio indagatore dell’obiettivo, firmano alcune delle scene più emblematiche, destinate a lasciare il segno. Edward Steichen è stato uno dei primi grandi autori a scattare per Vogue, accettando una sì intrigante sfida e non curandosi troppo di chi lo accusava di essersi svenduto per la moda. Da quei primi intrepidi passi, sono cambiate molte cose fino a far diventare la fotografia di moda una disciplina che va ben oltre la semplice frivolezza e che non deve dimostrare più il suo valore: grazie al talento e alla tecnica dei suoi rappresentanti, oggigiorno è un linguaggio artistico a tutti gli effetti, caratterizzato per la formidabile forza ed influenza visiva.

Tutto questo e molto altro ancora, è adesso protagonista di una mostra organizzata dalla Fondazione Forma, a cura di Nathalie Herschdorfer.

Un percorso espositivo che raccoglie una straordinaria selezione d’immagini provenienti dagli archivi Condé Nast di New York, Parigi, Londra e Milano: un’occasione unica per raccontare, attraverso opere preziose e rare, la storia della fotografia di moda, cogliendone le evoluzioni dalle sue origini fino ai giorni d’oggi. Si evince, così, il suo carattere per così dire teatrale, dove per costruire l’immagine, insieme al fotografo, giocano ruoli importanti i redattori, le modelle, i truccatori, gli stylist…un esercito di figure professionali relativamente nuove, venutesi a creare proprio in concomitanza con lo sviluppo e l’affermarsi della fotografia di moda. In tutti questi anni, essa ha rappresentato il terreno di sperimentazione per antonomasia, trovando la sua piena realizzazione sulla carta stampata, complice l’indissolubile legame tra fotografi e redazione, che ha dato vita a collaborazioni creative e, al tempo stesso, provocatorie, in grado d’interpretare e, soprattutto, anticipare lo stile. Da Cecil Beaton a Man Ray a Guy Bourdin, passando per Helmut Newton, Mario Testino, Peter Lindbergh e molti altri: la grande inventiva della fotografia ha dato vita nelle pagine delle riviste Condé Nast ai sogni e alle visioni della moda, invitando stuoli di lettrici a lasciarsi andare ogni volta a un viaggio incantato, in bilico tra luoghi lontani e tempi andati o mai arrivati. Un’evasione onirica nel meraviglioso mondo della moda, quintessenza di pura bellezza e magica evocazione.

Fotografie di:
James Abbé, Miles Aldridge, Diane Arbus, Antony Armstrong-Jones (Lord Snowdon), Art Kane, David Bailey, Serge Balkin, André Barré, Michael Baumgarten, Cecil Beaton, Erwin Blumenfeld, Guy Bourdin, Henry Clarke, Clifford Coffin, Corinne Day, Baron Adolf De Meyer, Patrick Demarchelier, André Durst, Arthur Elgort, Hans Feurer, Toni Frissell, Arnold Genthe, Milton Greene, René Habermacher, Ben Hassett, Horst P. Horst, George Hoyningen-Huené, Mikael Jansson, Constantin Joffé, Bill King, William Klein, Barry Lategan, Peter Lindbergh, George Platt Lynes, Man Ray, Herbert Matter, Craig McDean, Frances McLaughlin-Gill, Raymond Meier, Gjon Mili, Lee Miller, Sarah Moon, Ugo Mulas, Nickolas Muray, Helmut Newton, Norman Parkinson, Irving Penn, Denis Piel, John Rawlings, Terry Richardson, Herb Ritts, Paolo Roversi, Franco Rubartelli, Richard Rutledge, Satoshi Saïkusa, Daniel Sannwald, Jerry Schatzberg, David Seidner, Charles Sheeler, Edward Steichen, Bert Stern, Sølve Sundsbø, Mario Testino, Michael Thompson, Eric Traoré, Deborah Turbeville, Inez Van Lamsweerde/Vinoodh Matadin, Willy Vanderperre, Tony Viramontes, Chris von Wangenheim, Tim Walker, Albert Watson, Ben Watts, Bruce Weber.

La mostra è accompagnata da un libro-catalogo edito da Contrasto con la prefazione di Todd Brandow, saggi di Nathalie Herschdorfer, Sylvie Lécailler, Olivier Saillard e un’intervista esclusiva con Franca Sozzani direttore di Vogue Italia.

La mostra è un progetto realizzato dalla (FEP), Foundation for the Exhibition of Photography, Minneapolis/Paris/Lausanne, in collaborazione con Forma.

Fashion – Un secolo di straordinarie fotografie di moda dagli archivi Condé Nast

Fondazione Forma per la Fotografia, piazza Tito Lucrezio Caro 1, Milano

Dal 17 gennaio al 7 aprile 2013

Tutti i giorni dalle 10.00 alle 20.00 – Giovedì e Venerdì fino alle 22.00 – chiuso il Lunedì

www.formafoto.it - tel. 02 58118067 

LEISURE_Lady Dior in mostra

Lady a incarnare una gentil donna alla quale ispirarsi, icona di stile, emblema d’eleganza, esaltante connubio di classe, buon gusto e raffinatezza. Ma anche simbolico appellativo volto a identificare la borsa per eccellenza di una delle Maison francesi che ha scritto pagine indimenticabili nella storia della moda e del costume: Christian Dior. Una borsa da vera Lady, che, come lei stessa, ispira suggestioni di stile e visioni di un’eleganza senza eguali. E al pari di una Lady, ama ritagliarsi nell’immaginario collettivo un ruolo di riferimento nel momento in cui si parla di classe e prestigio. Un’identità sincretica, quindi, tra la personificazione umana e la traslitterazione glamour, pronta ad adornare il braccio di molte donne con garbo e femminilità.

Pezzo iconico della Maison – e di riflesso della moda – la Lady Dior, borsa regalata dalla première dame di Francia a Lady Diana nel 1995, è divenuta un cult della storia del costume. In particolare, di quella pagina che vuole sposare lo stile a volti celebri, vere e proprie icone, e a marchi in grado di segnare un’epoca con le loro creazioni, tripudio di visioni, interpretazioni e cultura.

Un pezzo iconico, si diceva, che ora viene celebrato dalla Maison con la mostra “Lady Dior as seen by” allestita negli spazi della Triennale di Milano e visitabile fino al 4 novembre prossimo. Un’esposizione che già nel titolo svela gli intenti del marchio: offrire una particolare contestualizzazione scenica a tutte le interpretazioni che ne sono state fatte nel corso di questi anni da numerosi artisti, attivi in campi diversi. Da Nan Goldin si passa a Jean-Baptiste Mondino, da Loris Cecchini a Peter Lindberg a David Lynch e a molti altri ancora, in un’esaltazione concertata di quei tratti che riproducono un’estetica fedele all’essenzialità di fine anni ’90, rendendola così senza tempo: l’impuntura a cannage, le lettere dorate pendenti, i manici quadrati e la struttura rigida sono i punti di riferimento riscontrabili in ogni rivisitazione artistica, ciascuna contraddistinta per un suo particolare linguaggio artistico. A corollario, “A new generation of Italian artists”, una speciale collaborazione con l’Accademia di Brera, a sostegno della giovane creatività italiana e volta a decretare la nuova propensione della Maison, sempre più vocata all’arte in tutte le sue forme d’espressione, proprio com’era tipico di Monsieur Dior.

Una mostra speciale, quindi, dalla triplice finalità: in primis, un omaggio all’indimenticato couturier, grande gallerista appassionato ed esperto, un tributo alla valorizzazione dei giovani talenti e una celebrazione doverosa a un’icona della Maison. Perché come si ama dire e ripetere, i confini tra le arti – seppur parlate con linguaggi diversi – non hanno limiti e tendono a un’armonica intesa di fatti e visioni.    

Lady Dior As Seen By

Fino al 4 novembre

Triennale di Milano,
Viale Emilio Alemagna 6, Milano