PEOPLE_Franco Moschino

Francesco (Franco) Moschino nasce ad Abbiategrasso, alle porte di Milano, da Battista, imprenditore metallurgico, e Giuseppina Boeri. Dopo gli studi compiuti all’Accademia di Belle Arti di Brera, l’incontro con Gianni Versace - per il quale realizza alcuni disegni di tessuti - lo introduce nel mondo della moda, portandolo ad affermarsi come illustratore di prestigiose testate – Gap, Linea Italiana e Harper’s Bazaar – e come disegnatore per diverse aziende produttrici di abbigliamento. Conclusa nel 1977 la collaborazione con Versace, l’anno successivo fonda insieme all’amico Mauro Foroni, anch’egli disegnatore, la società Franco Moschino focalizzata sulla creazione e la vendita di modelli per l’industria tessile e dell’abbigliamento. Numerose le collaborazioni avviate nel corso degli anni: disegna il prêt-à-porter prodotto dalla parigina Dejac, la linea Hamilton per Nordic Furs, la Albinea – divenuta poi Pianoforte – per Max Mara, le collezioni della pellicceria Matti e della camiceria per la Ascom e Lory of Florence, la maglieria Blumarine e i costumi da bagno Armonia. Cadette – impresa fra le prime a intuire l’importanza dell’unione tra stilismo e industria, avendola sperimentata con il precursore Walter Albini – nel 1978 lo ingaggia come fashion designer. Nel 1983 Moschino comincia a “firmare” i propri capi, prima quelli femminili e poi le collezioni uomo.

Nel 1984 la società Franco Moschino si unisce con Moonshadow, una società specializzata nell’organizzazione di attività promozionali dei marchi emergenti nel campo dell’abbigliamento, degli accessori e dell’arredamento. Dal 1984 al 2000, anno dell’acquisizione da parte della AEFFE – l’impresa riminese dei fratelli Alberta e Massimo Ferretti, licenziataria “storica” del marchio Moschino – la società Moonshadow concentra le attività di creazione stilistica, promozione e gestione delle licenze di produzione distribuite fra diverse aziende fra cui, oltre alla citata AEFFE, Sportswear International (jeans), IPAC e ALMA (maglieria), Maska e Miroglio (abbigliamento femminile), Portolano (guanti), Malipiero (cartoleria), Lario Seta (foulard), Ottica Ratti (occhiali), Falc (calzature) Marvel (costumi), Redwall (pelletteria), Sharra Pagano (bigiotteria). Moltiplicatisi nel corso degli anni fino a diventare una ventina, i contratti di licenza segnano il rapido diversificarsi dall’Alta Moda femminile in cui lo stilista aveva esordito con il marchio Moschino Couture, al prêt-à-porter, all’abbigliamento maschile e a quello casual, alla maglieria esterna e all’intimo, agli accessori.

I risultati economici sono di assoluto rilievo: nel 1988 gli utili realizzati da Moonshadow oltrepassano il miliardo di lire. Un traguardo che riflette la felice intuizione concretizzatasi nel lancio sul mercato della collezione Cheap&Chic, prodotta dalla rete di laboratori esclusivisti, organizzata tra Romagna e Marche, e pensata per i giovani, che gli consente di interpretare al meglio il ruolo di maestro della dissacrazione che la stampa di moda gli ha attribuito sin dalle prime sfilate. Dal punto di vista stilistico la collezione è ispirata dall’irrisione del culto dell’immagine che pervade la società dei consumi degli anni Ottanta, bersaglio delle provocazioni e dei paradossi di Moschino. L’irriverenza verso la moda prende la forma di oche applicate ai vestiti femminili, uova fritte disegnate sulle tasche, abiti stampati «no stress no dress», a cui si aggiungono il tubino nero con prezzo ricamato, l’autoironica T-shirt con la scritta «Moschifo», i vestiti fatti con i sacchi della spazzatura, con posate al posto dei bottoni e tazze invece del reggiseno. Nella campagna pubblicitaria del 1990, considerata il culmine della sua battaglia, di cui è al tempo stesso paladino e vittima, la moda è rappresentata da un vampiro abbinato alla scritta «Stop the fashion system».

Nel 1993, per celebrare il decennale della griffe Moschino, la Permanente di Milano gli dedica la mostra retrospettiva 10 anni di caos, in cui Moschino espone per la prima volta al pubblico i propri quadri. Nel 2000 il brand passa sotto la direzione artistica di Rossella Jardini Conti, la quale riprende – per rielaborarla in chiave contemporanea – l’heritage lasciata dallo stilista - prematuramente scomparso nel 1994 - mix di originalità irriverente e genialità creativa.

PEOPLE_Franco Moschino: il carattere dissacrante e irriverente della moda

Francesco (Franco) Moschino nasce ad Abbiategrasso, alle porte di Milano, da Battista, imprenditore metallurgico, e Giuseppina Boeri. Dopo gli studi compiuti all’Accademia di Belle Arti di Brera, l’incontro con Gianni Versace - per il quale realizza alcuni disegni di tessuti - lo introduce nel mondo della moda, portandolo ad affermarsi come illustratore di prestigiose testate – Gap, Linea Italiana e Harper’s Bazaar – e come disegnatore per diverse aziende produttrici di abbigliamento. Conclusa nel 1977 la collaborazione con Versace, l’anno successivo fonda insieme all’amico Mauro Foroni, anch’egli disegnatore, la società Franco Moschino focalizzata sulla creazione e la vendita di modelli per l’industria tessile e dell’abbigliamento. Numerose le collaborazioni avviate nel corso degli anni: disegna il prêt-à-porter prodotto dalla parigina Dejac, la linea Hamilton per Nordic Furs, la Albinea – divenuta poi Pianoforte – per Max Mara, le collezioni della pellicceria Matti e della camiceria per la Ascom e Lory of Florence, la maglieria Blumarine e i costumi da bagno Armonia. Cadette – impresa fra le prime a intuire l’importanza dell’unione tra stilismo e industria, avendola sperimentata con il precursore Walter Albini – nel 1978 lo ingaggia come fashion designer. Nel 1983 Moschino comincia a “firmare” i propri capi, prima quelli femminili e poi le collezioni uomo.

Nel 1984 la società Franco Moschino si unisce con Moonshadow, una società specializzata nell’organizzazione di attività promozionali dei marchi emergenti nel campo dell’abbigliamento, degli accessori e dell’arredamento. Dal 1984 al 2000, anno dell’acquisizione da parte della AEFFE – l’impresa riminese dei fratelli Alberta e Massimo Ferretti, licenziataria “storica” del marchio Moschino – la società Moonshadow concentra le attività di creazione stilistica, promozione e gestione delle licenze di produzione distribuite fra diverse aziende fra cui, oltre alla citata AEFFE, Sportswear International (jeans), IPAC e ALMA (maglieria), Maska e Miroglio (abbigliamento femminile), Portolano (guanti), Malipiero (cartoleria), Lario Seta (foulard), Ottica Ratti (occhiali), Falc (calzature) Marvel (costumi), Redwall (pelletteria), Sharra Pagano (bigiotteria). Moltiplicatisi nel corso degli anni fino a diventare una ventina, i contratti di licenza segnano il rapido diversificarsi dall’Alta Moda femminile in cui lo stilista aveva esordito con il marchio Moschino Couture, al prêt-à-porter, all’abbigliamento maschile e a quello casual, alla maglieria esterna e all’intimo, agli accessori.

I risultati economici sono di assoluto rilievo: nel 1988 gli utili realizzati da Moonshadow oltrepassano il miliardo di lire. Un traguardo che riflette la felice intuizione concretizzatasi nel lancio sul mercato della collezione Cheap&Chic, prodotta dalla rete di laboratori esclusivisti, organizzata tra Romagna e Marche, e pensata per i giovani, che gli consente di interpretare al meglio il ruolo di maestro della dissacrazione che la stampa di moda gli ha attribuito sin dalle prime sfilate. Dal punto di vista stilistico la collezione è ispirata dall’irrisione del culto dell’immagine che pervade la società dei consumi degli anni Ottanta, bersaglio delle provocazioni e dei paradossi di Moschino. L’irriverenza verso la moda prende la forma di oche applicate ai vestiti femminili, uova fritte disegnate sulle tasche, abiti stampati «no stress no dress», a cui si aggiungono il tubino nero con prezzo ricamato, l’autoironica T-shirt con la scritta «Moschifo», i vestiti fatti con i sacchi della spazzatura, con posate al posto dei bottoni e tazze invece del reggiseno. Nella campagna pubblicitaria del 1990, considerata il culmine della sua battaglia, di cui è al tempo stesso paladino e vittima, la moda è rappresentata da un vampiro abbinato alla scritta «Stop the fashion system».

Nel 1993, per celebrare il decennale della griffe Moschino, la Permanente di Milano gli dedica la mostra retrospettiva 10 anni di caos, in cui Moschino espone per la prima volta al pubblico i propri quadri. Nel 2000 il brand passa sotto la direzione artistica di Rossella Jardini Conti, la quale riprende – per rielaborarla in chiave contemporanea – l’heritage lasciata dallo stilista - prematuramente scomparso nel 1994 - mix di originalità irriverente e genialità creativa. 

ABOUT_La moda dei musei di moda

La moda è in relazione con le arti visive da tempo, mostrando letture e interpretazioni interessanti di mondi in apparenza dissimili ma in realtà accomunati da molte analogie, frutto di visionarie contaminazioni che proiettano la mente umana aldilà della semplice osservazione, invitandola a scrutare gli infiniti collegamenti sparsi nell’universo delle forme espressive. Ora però la moda si spinge oltre, arrivando anche da sola dentro i musei, senza artisti che la citino o la reinterpretino. Sempre di più – soprattutto nel panorama internazionale - scende dalle passarelle, esce dai negozi ed entra nei templi della cultura mondiale. Un’inversione di rotta che tende a soppiantare – o perlomeno a sottrarre protagonismo e attenzione – alla moda che si occupa di arte visiva in spazi e con mezzi dedicati, fenomeno esploso nell’ultimo decennio: le fondazioni Cartier, Prada, Trussardi e Max Mara – solo per citarne qualcuno – ne sono un esempio così come Pinault con l’acquisizione di Palazzo Grassi e l’apertura di Punta della Dogana, piuttosto che Comme des Garçons con il sostegno a giovani creativi, o ancora Louis Vuitton e le sue collaborazioni con artisti affermati. Il 2012 si prospetta invece ricco di mostre dedicate alla moda contemporanea, proposte da importanti istituzioni museali. In primavera aprono Christian Louboutin al Design Museum di Londra; Louis Vuitton Marc Jacobs al Musée des Arts Decoratifs; Diana Vreeland after Diana Vreeland a Palazzo Fortuny a Venezia; Yves Saint Laurent al Denver Art Museum; Fifty Years of James Bond Style al Barbican di Londra; Elsa Schiaparelli and Miuccia Prada: On Fashion al Metropolitan Museum of Art di New York. Riaprono inoltre le gallerie del costume Victoria and Albert Museum con Ballgowns: British Glamour Since 1950.

E se la moda scende tra il pubblico per condividerne i fasti e la magnificenza, un particolare ringraziamento va senz’altro riconosciuto ad Alexander McQueen…già proprio a lui e a “Savage Beauty”, la retrospettiva tenutasi al Metropolitan Museum of Art di New York lo scorso anno e che ha attratto un numero di visitatori senza precedenti per una mostra non prettamente d’arte: addirittura 661.509, una delle più visitate dei 142 anni di vita del celebre museo. Un successo critico e popolare, che ha portato molti a parlare di McQueen: a conoscerlo per indagarne i suoi tratti stilistici e affezionarsi al suo genio creativo. Un fervore che ha superato i confini dell’arte e della moda, coinvolgendo un pubblico vasto ed eterogeneo, per gusti, età e appartenenza sociale. Grazie ad un allestimento eccezionale, quello che è emerso dalla mostra è stata una visione intricata, di grande impatto scenico ed emozionale. Semplicemente folgorante. Protagonista il genio estroso di Alexander McQueen, che partendo dal grottesco giunge alla bellezza sublime. Un genio che non si limita a disegnare vestiti, ma creazioni che divengono ideali platonici di una realtà effimera, che non c’è e non è mai esistita, ma che - evocata - diviene il sogno fiabesco di belle addormentate nel bosco. Appropriatamente intitolata “Savage Beauty”, la mostra esalta la singolare visione dello stilista della bellezza, scoperta per l’appunto nel grottesco, nel lurido, nel tragico, nei momenti meno piacevoli della storia. Una bellezza che parte dal basso, dal profondo, dalle atmosfere più lugubri per arrivare a un inatteso e stupefacente splendore, coniugando sapientemente gli opposti più estremi in un’armonia suadente e rivelando la sua natura eclatante nell’orrore: per un McQueen personificazione di un moderno Rimbaud. Come sottolinea lo stesso Umberto Eco, nonostante sia stata poco contemplata storicamente, la bruttezza ha probabilmente più spessore della bellezza. In effetti, la forza della visione sublime e complessa di McQueen è dovuta al contesto in cui opera, ossia quello della moda, in cui regna sovrana una concezione facile e scontata della bellezza. Da qui lo slancio vitale della sua cifra stilistica: una bellezza selvaggia, che invade la quotidianità, mettendone in discussione le canoniche definizioni e collegandola a sensazioni inaspettate e perturbanti. Ogni credenziale viene minata, tutte le certezze sono poste in discussione e il risultato è destabilizzante: le condizioni ottimali, offerte dalla moda – che sempre più assolve le funzioni della cultura propriamente intesa – per interrogare le prerogative del paradigma visivo corrente, comunicare nuovi messaggi e invitare ad avere uno sguardo nuovo sulla vita. Non scontato né prefigurato.

Spesso capita di restare incantate di fronte a un paio di scarpe: si arriva a desiderarle ma tuttavia ciò non implica una visione profonda. Al contrario, di Mcqueen affascinano le creazioni mitiche, impossibili, che vanno oltre i limiti della vetrina, rompendo i preconcetti e rispetto alle quali il possesso diviene irrilevante. Il loro significato evocativo è tale da aprire nuovi immaginari, universi sconosciuti, orizzonti sconfinati: per una moda che fa sognare, spingendo la mente lontana…proprio come solo ancora l’arte sa fare e che come essa merita pertanto spazi museali dedicati a prescindere.